A.− Jeune fille, jeune femme japonaise. Quant à la mousmé, je la retrouve toujours la même, avec son beau chignon d’ébène vernie, sa ceinture à grandes coques, sa révérence et ses petits yeux si bridés qu’ils ne s’ouvrent plus (Loti, Trois. jeun. MmePrune,1905, p. 13).Petites japonaises qui se rendaient à la cueillette (…) les rieuses mousmés avec un gosse dans le dos, un râteau à la main et leur tablier de serpillière noué en forme de besace (Cendrars, Bourlinguer,1948, p. 358).
B.−Arg. Femme, maîtresse, fille facile. Les mousmées, qui marchaient [au music-hall] à la ristourne sur les bouteilles de champ’ (Le Breton, Rififi,1953, p. 35).Prononc. et Orth. : [musme]. Rob., Lar. Lang. fr. : -mé, -mée. Supra Le Breton et Arnoux, Paris, 1939, p. 305 : -mée. Étymol. et Hist. 1887 (Loti, MmeChrys., p. 74). Transcr. du japonais musume « jeune fille ou jeune femme » (FEW t. 20, p. 105b).
Marcel Proust cite ce mot entre guillemets dans Le Côté de Guermantes : « De toute évidence quand j’avais connu Albertine, le mot de “mousmé” lui était inconnu. »
Thierry Laget et Brian Rogers commentent ce passage ainsi dans les notes :
« C’est Loti qui introduisit ce mot en France : “Mousmé est un mot qui signifie jeune fille ou très jeune femme. C’est un des plus jolis mots de la langue nippone ; il semble qu’il y ait, dans ce mot, de la moue (de la petite moue gentille et drôle comme elles en font) et surtout de la frimousse (de la frimousse chiffonnée comme est la leur). Je l’emploierai souvent, n’en connaissant aucun en français qui le vaille.” (Madame Chrysanthème, 1887, chap. XI). »
Comment la pilule a changé la vie des femmes – Patrick Dalaine
Selon un sondage réalisé en France
à la fin des années 1990, pour 6 femmes sur 10, c’est l’invention de la pilule qui avait le plus contribué à changer leur vie au cours des dix précédentes années, loin devant l’égalité professionnelle. Aujourd’hui, elles sont plus de 100 millions dans le monde – et 5,6 millions dans le seul Hexagone – à prendre la pilule, chaque jour, pour éviter des grossesses non désirées. Mais pour devenir le premier moyen de contraception au monde, bien des obstacles tant scientifiques que moraux ont dû être surmontés.
A l’origine de l’invention de cet outil contraceptif révolutionnaire,
un trio composé de deux femmes, Margaret Sanger et Katherine McCormick, et d’un homme, Gregory Pincus. Margaret Sanger, infirmière new-yorkaise, assiste en 1912 à la mort d’une jeune mère de trois enfants qui avait tenté d’avorter seule. Cet événement achève de forger chez Margaret Sanger, issue d’une famille de onze enfants, la conviction que les femmes ne pourraient véritablement s’épanouir qu’une fois libérées de la crainte de grossesses non désirées. Elle se battra donc pendant quarante ans pour le contrôle des naissances et créera en 1923 à New York un Bureau d’information sur la contraception, qui fut le premier centre de planning familial. Katherine McCormick, elle, est issue d’une famille aisée d’avocats. Deuxième femme à obtenir un diplôme en sciences du MIT, c’est dans le cadre de ses activités militantes en faveur du droit de vote féminin qu’elle va rencontrer Margaret Sanger, elle aussi » suffragette « . A la mort de sa mère puis de son mari, Catherine McCormick hérite d’une fortune considérable qu’elle va en partie consacrer à la mise au point d’un contraceptif oral bon marché. source : lesechos.fr
d’égouts et des couleurs – David Zinn, street-art, plaque d’égout Oreo
d’égouts et des couleurs – David Zinn, street-art, plaque d’égout Oreo
Oreo est la marque déposée d’un biscuit en sandwich américain, produit par la marque américaine Nabisco. La forme courante se compose d’une garniture sucrée blanche, placée entre deux biscuits ronds au chocolat en forme de plaque d’égout. Oreo et Nabisco sont propriété du groupe américain Mondelēz International. source : Wikipedia
Provocation pour les uns, liberté d’expression pour les autres. Le titre satirique Charlie Hebdo publie des caricatures de Vladimir Poutine alors que des violences se multiplient dans le monde. source : l’Express
Un château est à l’origine une construction médiévale qui cumule plusieurs fonctions. Militaire, en assurant le contrôle d’un territoire ou une frontière. Symbolique et politique, en matérialisant l’emprise d’un homme ou d’un lignage sur un domaine. source : Wikipedia
« Peindre, c’est comme respirer pour moi »
Raoof est un artiste polyvalent autodidacte qui a participé à plus de 70 expositions collectives et 40 expositions personnelles aux États-Unis – France – Iran – Espagne – République tchèque et Royaume-Uni.
Ses peintures sont pour la plupart des huiles sur toile et s’appuient sur ses fortes traditions culturelles ainsi que sur son intérêt pour le monde changeant d’aujourd’hui. Son travail combine souvent des idées contemporaines avec des techniques traditionnelles. Dans ses peintures, il a assez souvent questionné les attitudes, les peurs, les conflits, les incompatibilités et les règles non écrites qui ont façonné notre environnement et notre comportement en son sein. source : Raoof Haghighi
« C’est finalement la proposition A « Ramons de toutes nos forces à contre-courant avant qu’il ne soit trop tard » qui l’emporte par 4 voix contre 2 et 1 abstention. »
« Voutch, de son vrai nom Olivier Vouktchevitch, est un dessinateur d’humour français né à Courbevoie en 1958. Il se fait parfois appeler Olivier Chapougnot.
Après des études de dessin publicitaire à Paris, et avoir travaillé de nombreuses années dans des agences de publicité, il se lance dans le dessin humoristique en 1995 et publie ses premiers dessins dans les magazines Lui, Télérama, Lire, Le Point, Playboy, Psychologies et Madame Figaro.
Voutch connait bien les travers du monde de l’entreprise et de la communication pour y avoir travaillé comme directeur artistique dans la publicité (et avoir été licencié, moment vécu par lui comme « une libération »).
Dans la ligne de Sempé (« un de mes pères »), Voutch commence par l’idée avant de trouver l’illustration à la gouache pour laquelle ses talents de coloriste sont reconnus. L’usage du pinceau sur des dessins au format « magazine » (ses clients) a d’ailleurs influencé le trait caractéristique : personnages au nez épais et corps en longueur, souvent situés dans une salle de réunion (car permettant la phrase absurde — solennellement énoncée par le personnage — écrite en bas du dessin). À la manière de Sempé, Voutch place souvent ses personnages dans de grands décors dont ils ne sont pas nécessairement l’élément central. Il en découle une impression de vacuité et d’écrasement qui fait écho aux sentiments de solitude ou de petitesse éprouvés par les personnages ou, inversement, qui souligne par contraste la futilité de leurs propos. » source : Wikipedia
La danse du futur : la vision de Wassily Kandinsky, 1908-1928
On peut mieux découvrir la contribution du peintre Wassily Kandinsky aux idées sur la danse en regardant l’ensemble de ses écrits. Kandinsky a conceptualisé la danse dans le cadre de ses théories pour un nouvel art abstrait dans son livre majeur Concerning the Spiritual in Art . Je considère sa déclaration de 1912 sur la danse du futur comme une déclaration moderniste en son temps. L’idée de Kandinsky d’une nouvelle forme de théâtre, Bühnenkomposition , incorporait la danse, comme le démontre son scénario pour The Yellow Sound . Ses écrits ultérieurs à Moscou et au Bauhaus de Weimar et Dessau révèlent son souci de ce que la danse moderne pourrait accomplir. En 1928, Kandinsky réalise enfin son ambition de mettre en scène une nouvelle forme de théâtre synthétique dans une production de Moussorgski : Tableaux d’une exposition . source : Taylor & Francis Online
Le retapeur de cervelles (Émile Cohl, 1910) vs La machine à décerveler (Alfred Jarry, Ubu Roi, 1896)
retapeur de cervelles (Émile Cohl, 1910) et machine à décerveler (Alfred Jarry, Ubu Roi, 1896)
Emile Cohl : le retapeur de cervelle
Gaumont :
Émile Cohl collabore avec la société Gaumont de mai 1908 à septembre 1910. Il est d’abord recruté pour écrire des scénarios, puis rapidement, deux mois après, il est chargé de mettre en scène et ce en raison des multiples talents évoqués précédemment. Il sait écrire puisqu’il est l’auteur de plusieurs vaudevilles, il a, grâce à ses illustrations, une expérience certaine de la composition en images et n’ignore pas les subtilités de la direction d’acteur puisqu’il a lui-même joué la comédie. Les scénarios ne lui étaient rétribués qu’une vingtaine de francs, alors que la rémunération des films est en moyenne de 150 francs. Trois années de production presque équivalente : 20 films en 1908, 32 en 1909 et 29 en 1910, où il affirme des qualités qui lui permettront de subsister au sein d’une corporation labile. En 1908, il réalise autant de films de fiction, comiques et drames, que de féeries ou de films à trucs, et s’essaye juste au dessin animé. En 1909, sa production est majoritairement composée de films à trucs, tandis qu’en 1910, les dessins animés dominent. Le rythme est dans l’ensemble soutenu, inventant et réalisant un nouveau sujet par mois lorsqu’il s’agit de comédie ou de film à trucs, il peut par contre, passer près de deux mois sur les dessins. D’après le témoignage d’Étienne Arnaud, suite à la présentation parisienne de la Maison hantée, Émile Cohl se verra confier le soin de développer, pour la société Gaumont, le procédé du trucage image par image. L’affirmation est confirmée par la filmographie puisque parmi les films conservés plusieurs titres reposent exclusivement sur ce procédé, qui consiste à filmer photogramme par photogramme l’avancée progressive d’un objet, afin qu’une fois projeté à la vitesse de 16 images par seconde (aujourd’hui 24 images), l’objet paraisse se déplacer seul. Dans les Chaussures matrimoniales (1909) par exemple, les souliers de monsieur et de madame en anticipant sur la rencontre à venir aident à la formation du couple. Le Champion du jeu à la mode (1910) montre un homme parvenant à assembler les pièces d’un puzzle par la seule force de l’esprit. Tandis que dans le Mobilier fidèle (1910), les meubles saisis reviennent d’eux-mêmes à leur ancien propriétaire. Alors qu’il réalise ces films, Émile Cohl pense à adapter le principe au dessin. Marcel Lapierre, dans un article documenté (6 Marcel Lapierre, les Cent Visages du cinéma, Paris, Grasset, 1948, p. 65.), le souligne :
Tandis qu’il travaillait,
il fut visité par une inspiration : puisqu’il était avant tout dessinateur, pourquoi ne pas prendre ses dessins pour acteurs ? Pourquoi ne pas photographier des séries de dessins dont la projection au rythme cinématographique donnerait une illusion de mouvement ? […] Sans plus attendre, il se mit à l’ouvrage et réalisa le premier « dessin animé ».
Plutôt que « visité par une inspiration »,
il semble que Cohl se soit souvenu des jeux qui à l’instar du zootrope ou du phénakistiscope créent, en s’appuyant sur la décomposition, l’illusion du mouvement. La technique lui est familière, elle a déjà inspiré des illustrations, et lorsqu’il est interrogé en qualité de pionnier du dessin animé, il ne manque pas de s’y référer en préambule. Pour ce premier film, intitulé Fantasmagorie (1908), Émile Cohl s’inspire des croquis d’enfant et le spectateur assiste aux métamorphoses en forme d’élucubrations de personnages dénommés fantoches, sorte de bonshommes à membres bâton, dont les traits apparaissent en blanc sur fond noir. Léon Gaumont juge l’invention digne d’intérêt et s’incline devant le succès rencontré, car le film fait l’unanimité partout où il est projeté8. Transformation du procédé qui permet surtout de renouveler l’intérêt des films à trucs, dont la mode, d’après Victorien Jasset, a rapidement passé : « Après avoir eu un succès aussi énorme que mérité, le procédé américain fut presque abandonné, parce qu’il n’offrait plus assez de ressources ».
L’étude des films conservés suggère qu’Émile Cohl ait été dans l’obligation de se renouveler sans cesse. Jean-Georges Auriol (« Les premiers dessins animés cinématographiques, 1908, Emile Cohl ») le souligne également :
Cohl, qui a plus d’une petite invention à son actif, avait une ingéniosité inépuisable et venait à bout des trouvailles les plus compliquées. De toutes petites choses qui duraient trois ou quatre minutes sur l’écran lui demandaient des journées de recherches, de ruse et de persévérance.
« Ingéniosité inépuisable »
qui trouve dans un répertoire personnel les ressources de l’inventivité. On reconnaît une de ses têtes de pipe dans les Générations comiques (1909). Les Beaux-Arts mystérieux (1910) s’inspire de deux fantaisies publiées, tels que ces figures créées à partir d’allumettes bougies, présentées entre autres dans l’Illustration, ou à base d’épingles et de fil comme dans l’ABCD à la ficelle, invention qui lui a valu une médaille de vermeil au Concours Lépine. Dans Rêves enfantins (1910), il réemploie le serpent de Mon ami Polichinelle, un album pour enfants écrit par Albert Deparc, qu’il a illustré en 1897 et dans le Cerceau magique (1908), il retrouve les cocottes en papier qui scandaient les pages des Chambres comiques ou apparaissaient en motif dans le portrait charge de Georges Lorin, Hydropathe avec lequel il s’était associé pour créer le studio de photo. Cadre fleuris (1910) s’inspire des effets visuels produits par les chromatropes, objet dont il projetait les nuances dans ses séances de cinéma forain. Cohl s’attache à déployer les facéties visuelles qui composent son univers ludique, tandis que la désaffection des films à trucs l’oblige à employer ses talents en conformité avec l’esprit du temps. À l’instar de ses contemporains, il réalise des adaptations littéraires et anime au moyen de poupées le Tout Petit Faust (1910), d’après Gounod ou le Petit Chantecler (1910) d’après Edmond Rostand. Conformément aux préceptes en faveur du cinéma d’enseignement très répandus alors et auxquels souscrit Léon Gaumont, il réalise des films dont l’agencement chronologique n’est pas sans rappeler la progression didactique des conférences illustrées au moyen de vues sur verre. Il a par ailleurs été fait officier de l’Instruction publique en 1899. L’École moderne (1909), réalisé avec Étienne Arnaud, apparaît comme un manifeste en faveur du cinéma d’enseignement puisqu’il s’agit littéralement de la transposition en film d’un livre. Les Chapeaux des belles dames (1909) présente l’évolution des coiffes à travers les âges, tandis que les Douze Travaux d’Hercule (1910) traduit l’histoire mythologique. Succession chronologique qui d’après le fascicule promotionnel structurait également Dix Siècles d’Élégance (1910), film disparu à ce jour. Autant de sujets qu’on pourrait lui avoir suggérés, puisque la Bataille d’Austerlitz (1909), film d’enseignement militaire, est manifestement une commande. Léon Gaumont a en effet déposé, dès janvier 1900, un brevet pour « un système de production de bandes cinématographiques reproduisant des […] actions militaires ». Un cadre, somme toute assez docte, rapidement mis à mal par la caricature, qui a charge de défigurer les académismes. Pour les Locataires d’à côté (1909), Émile Cohl multiplie les techniques ou les trucages : dessin, papier découpé, cache qui lui permet de diviser son cadre en deux. Dans le Binettoscope (1910), il poursuit une déconstruction du dispositif cinématographique en s’autorisant une mise en abyme de la projection. Émile Cohl, se souvenant de son passé d’Incohérent, réalise le Peintre néo-impressionniste (1910) en hommage à Alphonse Allais dont un monochrome « primo-avrilesque » ornait les murs d’une de leurs expositions. Dans l’Enfance de l’art (1910) il fait littéralement des pieds et des mains avant d’oser le pied de nez et dans la Musicomanie (1910), il attaque les procédures didactiques déployées dans les films d’enseignement, en les associant à des personnages aux traits et attitudes des plus grossiers. Le dessin d’enfant ou le graffiti aurait finalement eut raison des dogmatismes : Émile Cohl quitte la société Gaumont.
Pathé :
D’après ses carnets, il pourrait avoir rejoint la société Pathé en raison d’une augmentation conséquente, mais temporaire, de ses appointements et l’aurait quittée suite à une « brouille ». Le changement de société, à première vue, n’aurait formellement que peu de conséquence, Émile Cohl avec le Retapeur de cervelles (1910), le Musée des grotesques (1911) ou les Fantaisies d’Agénor Maltracé (1911) paraît poursuivre les expérimentations précédentes : dessins au trait blanc sur fond noir, séquences animées associées à des prises de vues réelles, animations de dessins et de papiers découpés reprenant les traits stylistiques des caricatures.
Résumé : L’œuvre d’Alfred Jarry propose une utilisation singulière de la mémoire comme méthode de production textuelle. Jarry convoque les théories les plus récentes à son époque, dans les ouvrages de Théodule Ribot ou dans les cours de philosophie de Bergson, pour construire une image de la mémoire comme processus de vidange de l’esprit, destiné à ne conserver que l’essentiel de l’expérience humaine. Le processus de la mémorisation est pour Jarry d’abord oubli: c’est un mouvement d’effacement des contextes et de redistribution presque aléatoire des objets de l’expérience, qui doit permettre leur réutilisation dans une œuvre nouvelle. Celui qui sait utiliser sa mémoire ou plutôt, paradoxalement, celui qui sait oublier à bon escient, est capable de produire des textes parfaits, dépourvus de toute aspérité, des œuvres suggestives disponibles pour une multitude d’interprétations. Ce processus, qu’il nomme la ‘Machine à Décerveler’, représente, comme l’écrit Linda Stillman, ‘une métaphore du mécanisme de l’imagination et de l’écriture’.
Eve est le serpent, Eve hait le serpent ? dessin : Riccardo La Spina
« Et puis, il y a Eve.
Eve ici, c’est l’être humain, on ne va pas séparer cet être humain en deux pour ne faire porter la responsabilité de ce qui arrive à Eve toute seule, comme le fait par exemple l’auteur de l’épitre à Timothée lorsqu’il écrit : « Que la femme demeure dans le silence, car ce n’est pas Adam qui fut séduit, c’est la femme qui, séduite, se rendit coupable de transgression ! » Soyons indulgents, admettons qu’il y a une énorme différence dans les contextes culturels et que, aujourd’hui, Paul s’exprimerait différemment, en tout cas espérons-le ! Mais ici, Eve représente l’être humain dans sa totalité.
Le serpent, pour être sûr que la conversation va s’engager, fait exprès une petite erreur
en commençant : « Dieu a-t-il vraiment dit que vous ne devez manger aucun des fruits du jardin ? » Alors Eve se dépêche de le corriger : « Mais si, on peut en manger, il n’y a que pour l’arbre qui au centre qu’il a dit qu’il ne fallait pas en manger. » Elle a rectifié, elle a eu raison, mais en même temps elle est entrée en dialogue avec le serpent, c’est ce qu’il cherchait. C’est comme aujourd’hui quand on clique trop vite pour répondre à une offre sur Internet et que cela permet à un organisme quelconque de récupérer vos données pour vous bombarder de publicité.
En plus, il y a un détail
qui pourra sembler insignifiant : dans sa réponse au serpent, Eve rajoute quelque chose à la parole de Dieu. Si on revient au chapitre précédent, on voit que la consigne était de ne pas manger du fruit de l’arbre au centre du jardin, et ici, Eve dit que Dieu aurait dit : « Vous n’en mangerez pas et vous n’y toucherez pas ! » Ça n’a l’air de rien, mais dans un texte de cette importance, qui traite de l’origine du rapport de l’humanité avec Dieu, ça ne peut pas être simplement anecdotique, comme s’il s’agissait d’une espèce de distraction.
C’est un signe de faiblesse chez Eve,
l’être humain. En pensée, alors même qu’elle affirme son adhésion à la parole de Dieu, elle imagine déjà le geste que le serpent ne lui a pas encore suggéré, elle voit ce qu’elle pourrait faire, elle n’est pas certaine qu’elle ne le fera pas, alors elle rajoute quelque chose à la parole de Dieu. Nous avons ici, en germe, tous les systèmes de lois, de codes, de commandements humains qui viennent s’ajouter à la simple parole de Dieu ! Dieu a dit : « Tu aimeras… » Tu aimeras Dieu, et l’être humain complète, rajoute, spécifie les moyens, les sacrifices, les liturgies, les horaires selon lesquels il est recommandé d’aimer Dieu. Tu aimeras ton prochain – on précise alors qui est le prochain, comment on peut l’aimer, quand on peut ne pas l’aimer, ou même le tuer éventuellement au nom d’un principe plus important, la justice, l’honneur…
À partir de là, le serpent a beau jeu
d’amener Eve à accepter de mettre en question la parole de Dieu. Elle est mure pour entendre un discours sur Dieu, une « théo-logie » en somme. Cette première tentative théologique consiste en une psychanalyse de Dieu. Au fond, dit le serpent, Dieu est jaloux, il est rusé, il est égoïste, il cherche à garder le pouvoir, il craint la concurrence, c’est pour ça qu’il a placé cette interdiction, Dieu est menteur, voilà ce que dit le serpent théologien ! » Prédication du pasteur Roland Revet, le 1 mars 2020, à Bordeaux Bastide
