la lune rose de Pâques – Shinya Tamai : In the Moonlight (natural mineral pigment, japanese paper mounted on wood panel, 2017)
C’est à partir de 20 h 57 que la Lune sera parfaitement pleine ce samedi 16 avril en France. À ce moment-là, notre satellite naturel qui se trouvera à environ 374 000 kilomètres de la Terre, sera donc entièrement illuminé par le Soleil, ce qui se produit tous les 29 jours. Et comme le ciel est parfaitement dégagé sur l’ensemble du pays ce week-end, la « lune rose » sera facile à observer. Mais, pas la peine d’espérer observer une grosse sphère de cette couleur. La Lune sera sans doute légèrement teintée, mais pas forcément rose.
Cette coloration qui peut aller du blanc cassé au rouge-sang, s’explique par la filtration par l’atmosphère terrestre de la lumière du Soleil qui éclaire la Lune.
Mais la lune rose est simplement l’héritage de l’expression anglaise « pink moon », qui désigne la première pleine lune du printemps. Or, pile à cette période de l’année, autour de Pâques, sortent les premières fleurs aux Etats-Unis, des phlox, de couleur rose. source : sudouest.fr
1.Partie d’un monastère interdite aux profanes et fermée par une enceinte.
2.Galerie à colonnes qui encadre une cour ou un jardin carré, dans une église. Le Robert
Je suis graveur et je suis né à Tokyo, au Japon, en 1967.
J’essaie de combiner la philosophie de l’art japonais traditionnel (comme Ukiyoe, qui signifie « monde flottant ») avec la gravure européenne traditionnelle.
Je réalise des mezzotintes (ou manière noire) en noir et blanc, des photogravures et des gravures sur bois. J’aime la riche harmonie du monochrome et je pense que c’est le plus sympathique pour exprimer la profondeur de nos émotions et pour refléter les points de vue intérieurs des personnes qui vivent dans un monde moderne « flottant ». J’espère que les spectateurs de mes œuvres les trouveront intrigants et seront incités à ressentir quelque chose de leurs souvenirs perdus.
J’ai suivi une formation en peinture et en gravure au Kanazawa College of Art, au Japon. J’ai beaucoup exposé dans tout le Japon et dans des expositions internationales.
Processus artistique
J’utilise mes compétences en dessin et en sculpture pour réaliser les trois types d’estampes que je produis – mezzotintes, gravures sur bois et photogravures. La richesse des tons des imprimés monochromes est importante et pour moi un élément clé dans le mélange de « Ukiyoe » et de l’estampe traditionnelle européenne sur lequel je travaille actuellement.
lendemain d’élections – Peter Ravn : the great depression, 2016
Peter Rothmeier Raven
Vit et travaille à Copenhague.
La pratique principale de Ravn est la peinture à l’huile figurative et il est reconnu pour son choix concis de motifs, où le personnage masculin est souvent mis en situation, entreprenant une recherche problématique de sa place dans la modernité. D’autres domaines de travail incluent la sculpture, la photographie et l’installation à grande échelle. site : peterravn.com
autres publications bretzel liquide taguées Peter Ravn
Kenton Nelson peint des figures, des paysages et des architectures baignés de lumière. L’objectif de ses peintures est d’idéaliser l’ordinaire avec l’intention de s’engager, en utilisant les symboles et les styles emblématiques de sa vie dans un style théâtral pour faire des suggestions de premier plan.
Les peintures de Nelson ont été présentées sept fois sur la couverture du magazine The New Yorker . Des expositions du travail de Nelson ont été appréciées de Los Angeles à Londres, Vienne et Zurich. Ses peintures à l’huile de personnages, d’objets et d’architecture ont, comme l’a dit un critique, « à elles seules ressuscité l’optimisme ensoleillé de la peinture américaine du New Deal ».
les premières lumières – Sarah Morgan : les gardiens de la montagne, collagraphie, 2018
Cabanes de montagne la nuit. Chaque plaque collagraphique est composée de passe-partout (mountboard), de ruban adhésif, de colle et parfois de carborundum. Ensuite, je gratte et découpe des morceaux du passe-partout jusqu’à ce que j’aie l’image que je veux. Je mélange l’encre pour chaque séance d’impression puis j’encre chaque plaque à la main avec de l’encre collante. La plaque est ensuite placée sur une presse à imprimer et tirée avec du papier humidifié sur le dessus. Tout ce processus d’encrage doit être répété pour chaque impression par la suite, c’est pourquoi les impressions peuvent varier un peu en couleur, ce qui rend chaque impression unique et originale, ce qui, à mon avis, fait partie de leur charme. Cette impression est réalisée à partir d’une combinaison de collagraphie et d’impression à la pointe sèche et de peinture à la gouache. texte : artfinder.com
Je travaille avec la gravure taille-douce en utilisant principalement l’impression collagraphique. Mon travail est une combinaison d’observation de souvenirs, d’émotions et de choses du quotidien qui attirent mon attention.
Je trouve le processus d’impression collagraphique plus libre que les autres méthodes de gravure
Samuel Favarica, né en 1971, « figurations foisonnantes et colorées, calligraphies fantasmagoriques, une œuvre hallucinatoire à la lisière de l’art brut et de l’art contemporain. »
Réveille le poisson qui est en toi – Alfons Mazurkiewicz, Head with a Fish ,1955
Alfons Mazurkiewicz (né le 19 décembre 1922 à Düsseldorf en tant que fils d’immigrés polonais, mort le 20 octobre 1975 à Wrocław ) – Peintre contemporain polonais et conférencier universitaire.
Il crée des paysages, des natures mortes, des portraits dans la convention du surréalisme , restant sous l’influence des œuvres de Paul Klee et de Joan Miró . Plus tard dans sa carrière artistique, il se tourne vers l’art abstrait , se concentrant sur l’idée de créer une image uniforme et vers la peinture conceptuelle . Il est l’auteur du concept de « duo-plasticisme » développé depuis de nombreuses années (1958), finalisé dans les années 1970 sous la forme du soi-disant « Duo-images ». source : Wikipedia
Par les soirs bleus d’été – Edward Hopper : soir bleu, 1914
Arthur Rimbaud, Sensations, Poésies
Par les soirs bleus d’été, j’irai dans les sentiers, Picoté par les blés, fouler l’herbe menue : Rêveur, j’en sentirai la fraîcheur à mes pieds. Je laisserai le vent baigner ma tête nue.
Je ne parlerai pas, je ne penserai rien : Mais l’amour infini me montera dans l’âme, Et j’irai loin, bien loin, comme un bohémien, Par la Nature, – heureux comme avec une femme.
Mars 1870
Un tableau-manifeste
Réalisé à 32 ans, peu après son retour d’Europe, ce tableau très ambitieux représentait, dans l’esprit de Hopper, un manifeste esthétique, la synthèse des influences reçues :
composition insolite à la Degas (format panoramique, poteau qui coupe la vue)
scène de café à la Manet,
simplification des formes à la Vallotton,
symbolisme à la Rimbaud (le titre en français, Soir bleu, est tiré d’un poème de ce dernier),
clin d’oeil parisien (le célèbre parfum « L’Heure Bleue » de Guerlain est sorti en 1912).
Un tableau maudit
Les critiques américains restèrent hermétiques à cette esthétique jugée trop datée et européenne, et se limitèrent à une lecture moraliste : alcool et cocottes, un condensé de la décadence parisienne, comparé à la vitalité et au modernisme américain.
Stoppé net par cette incompréhension, Hopper roula le tableau dans un coin de son atelier et n’en dit plus un mot jusqu’à sa mort.
Un panoramique parisien
La scène se situe sur la terrasse du parc de Saint Cloud, où Hopper allait souvent, et qui surplombe la vallée de la Seine : d’où la balustrade à l’arrière.
Le format, exactement deux fois plus large que haut, se prête bien à cette représentation panoramique. Panorama non pas de Paris, dont on ne voit rien, mais des Parisiens : il faudra lire les personnages non pas comme des figurants anonymes, mais comme des types.
Le panneau central
La femme se dirige vers les trois fumeurs attablés autour d’une carafe vide : le Peintre, le Militaire et le Clown. Son bras coupé net autorise toutes les reconstitutions (en supposant qu’elle soit gauchère). Il se peut qu’elle tende la main pour :
apporter une nouvelle carafe (c’est une Serveuse) ;
demander du feu (c’est une Allumeuse) ;
décharger son pistolet sur le Peintre ou le Militaire (c’est une Jalouse) ;
pervertir l’innocent Clown blanc (c’est une Femme Fatale).
Dans l’économie du tableau , nous l’appelerons l’Intruse.
En l’absence de mains, les trois fumeurs sont tout aussi indéchiffrables : peut être discutent-ils (bouche fermées ?), peut-être jouent-ils aux cartes ou aux dés ? Nous les appellerons les Joueurs : et celui des trois qui s’isole du groupe à la fois par sa position et son costume, se rendant ainsi plus vulnérable – le Clown Blanc – nous l’appellerons le Pigeon.
Une femme debout, deux hommes côte à côte attablés en face d’un personnage singulier, blafard comme une apparition. Cela ne vous rappelle rien ?
Il était en tout cas dans l’air du temps de moderniser le vieux thème, où le Christ ressuscité se fait reconnaître de ses disciples en rompant le pain avec eux.
L’idée n’était pas absurde de transposer les Pélerins d’Emmaüs sous les espèces de ces deux errants que sont le Peintre en pèlerine et le Dragon en tenue de campagne.
Tandis que le clown blanc constituait un cryptique auto-portrait christique, avec sa couronne d’épine métamorphosée en collerette et ses trois plaies sanguinolentes en forme de croix sur sa face blanche.
Le malentendu de Soir Bleu, l’insatisfaction que sa contemplation nous laisse, viennent du fait que tout nous pousse à l’interpréter comme une scène de genre… alors que c’est – peut être – le seul tableau religieux de Hopper. source : artifexinopere.com
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